THE BEATLES – WITH THE BEATLES

Aún hay muchas portadas que se llenan con el correr del tiempo, pero el equipo formado por Lennon y McCartney se juntaron a todo vapor y comenzaron a golpear con clasicos pop como si los sacaran del aire. “All my loving” y “I wanna be your man” vienen en éste disco, montado rápidamente para capitalizar la Beatlemania inglesa. Pero aún cuando estaban usando algunos clásicos de Chuck Berry, para el época que The Beatles adquirieron un sonido único con la combinación de las voces de John y Paul, mientras uqe George llegó con los los saltos y nudos de un guitarrista. Mientras, aunque no es un disco absolutamente esencial, como una fotografia de la banda en un tiempo y lugar, With The Beatles te hará sonreir.

FATS DOMINO - THIS IS FATS

La canción Blueberry Hill, la cual fue escrita en 1940, no fu éxito hasta que Fats Domino la cambió un poco aumentando el ritmo R&B convirtiéndose en un gran éxito en 1956, vendiendo más de 5 millones de copias en todo el mundo en el espacio de un año. Inmediatamente a éste éxito, el interés por Fats Domino se apagó, mucho más allá del tradicional mercado R&B. Por eso,su casa discográfica rápidamente capitalizó el éxito, realizando una cantidad de discos en rápida sucesión. Este álbum fue lanzado en Febrero de 1957 y rápidamente alcanzó el Top 20 del Billboard, impulzado por la inclusión de “Blueberry Hill” y “Blue Monday”.

BOB DYLAN – THE FREWHEELIN’ BOB DYLAN

El sorprendente segundo álbum de Dylan representa un tremendo salto desde el anterior. Mientras que el debut o marcó como un intérprete de Fol. Y clásicos del country-blues, además como un cantante como no hay otro, éste disco lo presenta con unas de las más pujantes canciones de los 60’s. “Blowin’ in the wind”, “Masters of war”, “A hard rain’s a-gonna fall”, “Don’t think twice, it’s all right” y “I shall be free” si suenan como una gran alineación para una colección de grandes éxitos, ya tendrán alguna idea. Las anotaciones internas de Nat Hentoff están encantadoramente fechadas, pero con la idiosincrasia de cantante de Dylan, letras inesperadas y su inimitable forma de tocar la guitarra y la harmónica son inmediatas y relevantes al igual si las escucharas em la radio hoy dia.

THE CHIRPING CRICKETS

Similar al primer álbum de Chuck Berry, el primer disco de larga duración de Buddy Holly es más un documento de sus primeras sesiones de grabación (y de los éxitos que generaron), más que un concertado esfuerzo por hacer un disco de larga duración cohesivo. No es exactamente sorprendente que una década antes que The Beatles con Sgt, Pepper, ésta collección de canciones presente un disco de fotografias que documentan la génesis del rock ‘n roll. El álbum originalmente presentaba una docena de pistas tocadas casi como si fueran una colección de grandes éxitos, con gemas como “Oh, boy!”, “Not fade away”, “Maybe baby” y “That’ll be the day”, testificando la inmortalidad del rock ‘n roll. Las guitarras de Holly, junto con su voz casi con hipo manejó una diferente sensibilidad que lo diferenció de Berry, pero en el optimismo de las letras (aún las que sugerían que los rompimientos de corazón era realmente genial ser un adolecente que podía volverse a enamorar), los trajo juntos bajo la marca del rock ‘n roll. Los arreglos musicales de Holly y The Crickets revelan el poder de escritura de Holly – su habilidad para crear una letra y un gancho musical inolvidable.

COUNT BASIE – THE ATOMIC MR. BASIE

Brillando con excitación y electricidad, éste disco de 1958 representa el más fino acompañamiento de la “New Testament Big Band” de Count Basie. Su “Old Testament Band”, a fines de los 30’s, presentaba estrellas de la talla de Lester Young, Hershel Evans, Dickie Wells y Buck Clayton. Edificadas desde la fundación del blues, ésta banda de los 50’s muestra más composiciones ambiciosas y un sonido más dinámico que incorpora más desarrollo moderno. Hay una constante, sin embargo, y es la guitarra rítmica de Freddie Green. Como siempre, Basie puede hondar profundamente en el robusto golpe o elegir cada nota como si las estuviera pagando por separado. Neil Hefti, su principal compositor y arreglador, maravillosamente captura las fuerzas de cada músico en forma individual. Sus arreglos brillan exuberantemente sobre cada canción y crean vívidos y exóticos estados sobre los lentos.

THE CURE – SEVENTEEN SECONDS

Originalmente con una vestimenta post-punk y sabor gótico, The Cure evolucionó a una de las bandas verdaderamente pivote de los 80’s y últimamente una de las más influyentes y celebradas del rock moderno. Guiadas por el creativo Robert Smith, la firma sonora de The Cure balancea el sabor del pop y la lírica poética con la intensidad oscura. Los primeros cuatro discos de la banda son una serie de obras maestras que yacen en el trabajo de campo para su popularidad y fenómeno duración. Fundiendo canciones bellamente armadas con profundas cargas emocionales desde el comienzo.

STEPHEN STILL

Aunque no fue el más celebrado integrante de Crosby, Stills, Nash & Young (o sin Young), igual no importa. Pero sus canciones están ciertamente en la misma liga de las de los otros miembros, y su jefatura en los discos como solista hace que aparezca la propia personalidad de Stills. “For what it’s worth” de Buffalo Springfield pertenece a Stills, lo caul muestra hasta donde llega su influencia. Los éxitos “Love the one you’re with” y “Sit yourself down”, ambos en éste álbum, muestran como se desarrollan. Sensitivo?. Letrado?. No exactamente. Piensen en jeans arrugados, como una guitarra acustica y una mujer en casa para coser las aplicaciones y sacando semillas de las bayas.

FRANK SINATRA – SONGS FOR SWINGIN’ LOVERS

Sinatra ya había tenido una joven carrera detrás de él para la época en que hizo Songs for swingin’ lovers!. Su lustrosa voz de cantante ya no era lo que era de joven, pero con las primeras notas de la pista inicial “You make me feel so young”, parece haber descubierto una fuente de la juventud musical que justifica completamente el signo de explamación del título del disco. Hay una bullante nueva primavera a su paso, acentuadad por los arrglos suaves de Nelson Riddle, lo que hace que la casa discográfica de Sinatra (Columbia Records), suene cuadrada y tiesa en comparación. Aún canciones como “Old devil moon”, “Pennies from heaven”, “Makin’ Whoopie” y “Anything goes” suenen rejuvenecidos por su vibrante toque. Puestos junto a su disco anterior para Columbia, “In the wee small hours”, tienen ambos y definitivos lados de la personalidad madura de Sinatra: el solitario cantante de salón y el cantante sofisticado. La confianza sin cuidado de Sinatra logra su suprema expresión en “I’ve got you under my skin”, una performance que construye hasta llegar a un climax sobresaliente. Cole Porter puede haber odiado tal embellecimiento lírico, pero con el tiempo el cantante logrará romper la “cuarta pared” en “Anything goes”, de forma que no se puede negar que él puso el título del disco desde su corazón.

RAY PRICE – NIGHT LIFE

Night Life se trata de simplemente de un asunto de licor, y tristeza. Su oscura disposición quedó establecida con el clásico escrito por Willie Nelson y que da inicio al disco (“The night life ain’t no god life, but it’s my life”). Price y un grupo de “musicos rotos” le pusieron es tono de un borracho aferrándose a su trago doble. Un álbum como éste es para tocarlo suavemente

NEIL YOUNG – AFTER THE GOLD RUSH

Después de su tabajo en Buffalo Springfield y Crosby, Still, Nash & Young, Neil Young finalmente logró su punto perfecto – si su empresa fuera del centro puede ser llamada “perfecta” – con su tercer álbum. El está igualmente apasionado con sus acertijos confusos (alguien sabe lo que significa “Tenemos a la Madre Naturaleza en fuga” en el título de una canción?) y sus puntos de protesta (después de 30 años de pasarla en la radio, “Southern man” aún suena con la verdad del racismo hacia los pobres). Su grupo, incluyendo al pianista Jack Nitzsche y los miembros rotantes de Crazy Horse, tansforman a éstas canciones Fol. Y country en himnos hippies con sentimiento.

MUDDY WATERS AT NEWPORT

Grabado en el Festival de Jazz de Newport en 1960, éste disco se puee considerar como una puesta en vivo de blues de calidad superior. Muddy es apoyado por James Cotton en harmónica, Otis Spann en piano, Pat Hare en guitarra rítmica, Andrew Stevenson en bajo y Francis Clay en bateria. Las permormances tienen el sabor del Delta del blues de Chicago, con brillos propios de una explosiva toma y repetición de “I’ve got my mojo working” trabajadoa muy de cerca por Muddy. Impresionantes son los sonidos de la multitud que muestran que Muddy casi echó la casa abajo antes de terminar su show. Este es un buen disco en vivo que muestra una alta energia de blues de uno de los maestros de la música.

MOTORHEAD – ACES OF SPADES

Motorhead son los padres fundadores del speed thrash metal. Sin ésta banda, no habria Slayer o Sepultura, asi que al menos a Lemmy & Co hay que darle el crédito por ser tan influyentes. “Aces of spades” es un clásico esencial y legendario del speed metal. Está lleno de riffs rápidos, solos geniales, golpeteos de baterias y voces gruesas y atrapantes. Casi todas las canciones del disco son atrapadoras. Los puntos altos incluyen el título del álbum, “Love me like a reptile”, “We are the road crew”, “Fire, Fire”, “Jailbait”, “Dance” (la cual tiene un par de geniales solos de guitarra), “The chase is better than the catch” y la famosa, rítmica y casi bailable “Please, don’t touch”. Y después de todo, estás buscando un contagioso, excitante y genial speed metal, éste disco es lo que necesitas.

JOHN LENNON – JOHN LENNON / PLASTIC ONO BAND

Décadas más tarde es un poco más difícil apreciar como impactó la Plastic Ono Band en la época en que fue ralizado. Si. El primer álbum realizado por John Lennon como solista post-Beatles es aún un disco al debe para cualquier fanático del rock, pero décadas de punk, metal y grunge han desensibilizado nuestros oídos a los aullidos desnudos de desesperación que llenan las pistas, como “Mother”, “Isolation” y “I found out”. En suma, la línea dramática “No creo en los Beatles” de la canción “God”, no tiene la resonancia cercana como la que tuvieron los Fab Four cuando se separaron, cuando con un sentimiento que prácticamente bordeaba lo hereje. Y aún es un testamento de la alta calidad de las canciones de Lennon que hacen que la Plastic Ono Band continúe siendo una increíble experiencia el escucharla.

ECHO AND THE BUNNYMEN – CROCODILES

Junto con Teardrop Explodes’s Kilimanjaro y el álbum de los Psychedelic Furs, Crocodiles de Echo & The Bunnymen fueron uno de los discos debut en 1980 que arrasaron el movimiento neosicodélico del Reino Unido. Más oscuro y menos brillante que las típicas convenciones pop del trabajo de la mayoria de sus pares, éste disco presentó a la banda de Liverpool como verdaderamente original e inspiró la fusión del nihilismo del punk y la experimentación ampliamente cerrada de la era sicodélica. Con el sonido innovador de la guitarra de Hill Sergeant, la cual se mueve entre lo filoso, brilantes ataques y la calidez lo hace junto con una perfecta envoltura de las sombrías voces y letras instrospectivas de su lider Ian McCulloch. Con su rica y pegajosa voz e historias crípticas de desesperación y desilusión. McCulloch recuerda sus influencias tan dispares como Jim Morrison de The Doors e Ian Curtis de Joy Division para azolar con canciones como "Stars are Stars”, “Villiers terrance” y la apocalíptica “Happy death men”. Sin embargo, cuando McCulloch se aliviana y la banda se suelta es cuando la banda alcanza su potencial total. “Do it clean” es una potente canción de tres acordes, casi como impulsada por un cohete. “Rescue”, el primer single del disco, es una gema de puro pop del alma que podría haber sido un tremendo éxito de radio en un mundo alternativo mucho más justo.

DUKE ELLINGTON AT NEWPORT 1956

Cuando Duke Ellington llevó a su orquesta al Festival de Jazz de Newport en 1956, la banda necesitaba una ayuda, un evento tan grande que revitalizaría su imagen al inicio del bebop, hard bop y otras corrientes del jazz. Ellington obtuvo el impulso que necesitaba con “Diminuendo in blue” con “Crescendo in blue” pegado al final. El saxo tenor Paul Gonsalves, con un solo de 27 coros, dio una fiebre a la multitud e hizo que la Ellingtonmania llegara a otra generación. El problema es que toda la grabación en vivo parece completamente manufacturada, como grabada en un estudio, con los gritos de la multitud puestos en ella. Actualmente se hizo una reedición y remasterización del material, después de décadas, debido a que encontraron una cinta de La Voz de America, la cual grabó completamente y sin cortes todo el concierto Newport en su gloria orgánica. Alternandola ternura con capas de ruda orquestación y dureza bien puesta de la banda, ésta nueva edición del concierto Newport es uno de lo que mejor muestran al completo Duke Ellington.

CROSBY, STILLS, NASH & YOUNG – DEJA VU

Menos de un año después de haber realizado el disco debut de CSN, el grupo regresó con Stephen Stills (antigüo consorte/rival de Buffalo Springfield) y Neil Young aumentando a un trio. El resultado es una creación menos concentrada pero con mayor movimiento. Young navega a través de harmonias casi celestiales del mejor trio de rock de una barbería, como volar en un consomé. Mentras algunas canciones están fechadas (“Almost cut my hair”), Dejá Vù aparació tímidamente a principios de los 70’s, incluyendo los éxitos “Helpless”, “Teach your children” y “Our house”.

BLACK SABBATH – PARANOID

Aquí está incluído el que es considerado quizás el material más clásico de Black Sabbath (“War pigs”, “Iron man”, “Fairies wear boots” y el título del disco), que también se pueden encontrarse en la colección “We sold our soul dor rock ‘n roll”. Paranoid es esencial por sí misma. Uno de los mejores álbumes de la banda que define el heavy metal, que complementa lo mejor de los años de Osbourne con la banda. La música no es exactamente compleja, pero no lo necesita; su importancia yace en su poder evocativo, con la cual cualquier adolecente será capaz de identificarse.

BILLY EVANS – SUNDAY AT THE VILLAGE VANGUARD

Esta grabación en vivo de Bill Evans Trio en Vanguard Village el 25 de junio de 1961, marcó el fin de uno de las más sublimes combinaciones instrumentales en las historia del jazz, cuando el bajista Scout LaFaro murió en un accidente de tránsito 10 días después. Este grupo completo quedó indocumentado debido a que Evans, un notorio perfeccionista, era reticente a grabar sesiones. El intercambio entre Evans en el piano, LaFaro en bajo y Paul Motian en bateria era de un balance de belleza emocional y precisión técnica. Múltiples tomas de “Gloria’s step”, “Alice in wonderland”, “All of you” y “Jade visions” muestran como la invención que cada uno de éstos artistas trajo a cada show hizo que el material sonara con los movimientos de una suite.

EMMYLOU HARRIS - RED DIRT GIRL

Considerado como una declaración de emancipación, considerando a éste disco como una atmosférica aventura en 1995, no era una aberración, sino una visión de cambios más radicales por venir. Considerada la madrina del ala más tradicional del country alternativo, Harris escribió canciones con Jill Cunniff de Luscious Jackson, hace un dueto con Dave Matthews (“My Antonia”) y recibe la ayuda de Bruce Springsteen y Patti Sciaffa en las armonias de la balada más sobrecogedora del álbum, “Tragedy”. La producción de Malcolm Burn aplica tratmientos sónicos como baterias, guitarras deslizantes y ecos acamciones como “Michaelangelo” y “Bang the drum slowly”, haciendo que suenen artísticamente poderosas. Sin duda que Harris grabó un disco que significa mucho más de lo que significó en su época.

THE CARPENTERS - CLOSE TO YOU

Cuando The Carpenters se encontraron repentínamente con un éxito en las radios (“Close to you”), su compañía los presionó para que terminaran un álbum. Lo que mantiene unido al disco, es por supuesto, la abasalladora y cursi canción que le da título al disco, además de la conocidísima “We’ve only just begun”. Sin embargo, son los lucidos covers de canciones, ahora consideradas clásicas, como “I’ll never fall in love again”, "Help!" y “Baby it’s you” es lo que contribuyen a la fuerza de ésta colección. La banda juega con sonidos del bossanova en “Love is surrender” y explora profundamente el terreno emocional en la hermosa “Crecent moon”. Close to you permanece como uno de los discos adelantados a su época para los Carpenters en los 70’s.

THE DOORS – MORRISON HOTEL

Este es el penúltimo disco de The Doors, grabado antes de que el manto del misterio cayera la muerte de Jim Morrison en la tina en Paris. Se pueden entender muchos de los toques barrocos, poéticos y pretensiones filosóficas que habitan el disco (era después de todo, la vuelta a las raíces en la era Let it be de The Beatles, Let it bleed de los Stones y Nashville Skyline de Dylan). En cambio, los Doors alrededor de 1970 sabiamente separaron ellos mismo la parte blusera que había en sus canciones anteriores, de alguna manera ocultando su exhaustiva creatividad. “Roadhouse blues” y “Peace frog” se reinventaron ellas mismas dentro de un argumento de una de las bandas de bar más grandes desde siempre, dando la bienvenida a Morrison y a los demonios que lo atormentaban. “Waiting for the sun” y “Ship of fools” pueden sonarte como cabalísiticos para la banda, pero aunque más llevados al borde, no por eso menos efectivos.

BOOKER T & MG’S – GREEN ONIONS

Propulsado por el humeante órgano de Booker T. Jones y la guitarra funky de Steve Cropper, “Green onions” – el primer éxito de la banda en alcanzar los topes de las listas – se deslizó a través de las radios en 1962, seguida inmediatamente por el álbum con el mismo exquisito sabor. Aún caliente el ambiente por el éxito, llega “Mo’ onions” tan buena como “Strangers on the shore” y la balada para después de la hora “Behave yourself”. La grabación actualizada desde las cintas originales, hace que el sonido te haga agüa la boca hasta ponerte a llorar.

MEGADETH - RUST IN PEACE

Con Rust in peace, Megadeth alcanzó la madurez musical. Mientras que no es tan agudo y descarnado como los discos siguientes, éste si trae el estilo desarrollado en la básica de sus primeros álbumes. Metal progresivo de alta velocidad hasta el extremo. El guitarrista y cantante Dave Mustaine, con el guitarrista Marty Friedman están en su mejor forma aquí, haciendo que complejos pasajes técnicos suenen fáciles. Las letras tampoco son suaves, pero en realidad eso casi no importa cuando la música es tan buena. Desde “Holy wars” a “Lucretia” o desde “Dawn patrol” a “Hangar 18” todas son puntos altos del disco.

LIMP BIZKIT – CHOCOLATE STARFISH AND THE HOT DOG FLAVORED WATER

La partición toda junta del metal, rap, funk y la estéril electrónica se juntan con las oscuras melodías tan infecciosas como culaquiera que Britney haya ofrecido. Este disco tiene la fórmula perfecta. Desde la electro-infusión de “Intro”, pasando por el contagioso “My generation” al rap de “Getcha groove on”, el álbum es directo, clínico y sin defectos. Es innegablemente una música inteligente. La suave y puntiaguda guitarra que sirve de base para el tema de Misión Imposible 2, cobra una nueva vida amenazando los temas que siguen. “Rollin’”, “My way” y “Boiler” demuestran el trabajo de un genio. El hecho es que con el rap y el rock juntos diciendo lo mismo de siempre, Limp Bizkit tiene poca competencia si siguen haciéndolo tan bien.

RIHANNA – GOOD GIRL GONE BAD

Hay una nueva forma de desarrollo de los singles del verano. No se necesita que esté soleado. De hecho, mientras más húmedo, mejor. “Umbrella”, el primer corte del disco de Rihanna, muestra que realmente es un buen tercer disco. Tal vez el más fuerte de su carrera. Con más estilo que la anterior “S.O.S. (From a girl like me)”, “Umbrella” barre con todo desde un principio. Desde aquí las canciones bailables van una tras de otra. “Breaking dishes” trata hábilmente la relación con un hombre venenoso y “Shut up and drive” toma prestado el estilo de los 80’s de New Order. En los temas “Rehab” y “Lemme get that” se nota claramente la producción de Timbaland, probando que a ésta chica isleña no hay barrera que la sujete cuando se trata de mostrar latidos urbanos, haciéndote que seas rápidamente un fan de su música.

DIGITAL UNDEGROUND - SEX PACKETS

Esta gran banda californiada de estilo cartoon, liderada por el hombre conceptual Shock G, se apoderó del bajo más funk existente, como es el del grupo Parliament como plataforma para ensamblar su grupo. Como su mejor inspiración se demustra el tema “Doowutchalike”, que te invita a bailar y mover todo lo que tengas y “The Humpty dance” o “Underwater rimes”, una ridícula fantasia hip-hop bajo el agua. Con el tiempo, pasan a ser unas inconfortables corrientes de simple misoginia. El disco termina con una suite de pistas que hablan de un imaginario sexo seguro y drogas (el título del disco). El concepto inicial al final se adelgaza tanto que simplemente se pierde, pero “Packet man”, un grueso diálogo entre Shock G (como un traficante) y su chistoso alter ego Humpty Hump (como el comprador de drogas), llega a ser adorable.

BLACK SABBATH

Algunas personas dicen que éste disco de 1970, es el definitivo Black Sabbath. Mientas sus sobretonos góticos que aparecen en la primera pista “Black Sabbath” (con truenos de tormenta y lejanas campanas de una iglesia
Introduciendo el aullido de Ozzy y la guitarra de Tony) y el similar sonido a Cream en “N.I.D.”, fueron canciones emocionantes en esos años (y aún permanecen asi). Hay mucho por limpiar como para catalogar a éste álbum como un disco que hay que tener (El precio debería ir para el disco Paranoia). Pero los riffs semi-bluseros de “The wizard”, los coros que serán famosos en “Wasp” y el sonido casi grunge de “Wicked world”, permiten que quede como un sólido testamento de la más profunda influencia que la banda tuvo en esos años.

PIXIES - BOSSANOVA

Cuando llegaron por primera vez a la escena underground, The Pixies era una exótica bebida que escondía su dulzura detrás de una feroz mordida. La producción del disco es como una cruda explosión: cada golpe viene con la fineza de una martillo neumático. Las letras en inglés y español chocan con el cantante Black Francis (más tarde Frank Black), gritos y gemidos monótonos de John Murphy (más tarde Kim Deal de Breeders) apoyándolo en sus voces desgarradoras. Aún así, el choque de éstos lastimados titanes hace que las pistas queden impresas indeleblemente en tu subconciente – cuando las dejas entrar. Kurt Cobain fue su mejor estudiante. El graficó y usó esta teoría del Big Bang de los Pixies en los éxitos más grandes de Nirvana. Los Pixies mismos has servido tranquilamente, ganándose el status de ser los padrinos del post-punk, no por haber soplado sus propias trompetas, sino por haberse elevado por boca a boca su calidad y continuar incrementando las ovaciones de sus críticos.

RYAN ADAMS - HEARTBREAKER

Novedoso es el comienzo del disco. Este inicia con una discusión acerca de una canción de Morrisey antes que la banda empiece a tocar "To be young (Is to be sad, is to be high)", y ciertamente la tristesa autoreferencia cuelga sobre las canciones de Ryan Adams. Pero Adams, antigüo lider de la disfincional banda Whiskeytown, es un campirano de corazón, aunque no en actitud. Así que hay una belleza casi pastoral que envuelve al disco con una feliz dulzura. Y con toda la expresividad de Adams, su voz grave (similar en parte a Paul Westerberg y Merle Haggard), dan a Heartbreaker el poder de perdurar

PETER GABRIEL - 3

Esta es una producción épica, resaltada por el trabajo de precisión de los bajos tonos de “Intruder” y el Afro-prog-rock de “Biko”, siendo el tercer álbum de una trilogía de discos en solitario con una marca indeleble del ex Genesis, Peter Gabriel. El baterista Jerry Marotta aporta su gran trabajo aprendido a lo largo de su carrera a través de todo el mundo, junto a las guitarras de Robert Fripp, David Rhodes, Paul Weller, and Dave Gregory (ex XTC).
Yendo al enigmático éxito de 1980 "Games without frontiers," la producción de Steve Lillywhite nos hace viajar a una esquina oscura y sicótica del narrador, con un sonido profundamente futurista, que no es otra cosa que “Scary Monsters” de David Bowie, lanzado el mismo año. Y aunque la carátula del disco muestra a Peter Gabriel derritiéndose, la verdad que aquí se marca la llegada más sólida que nunca del artista.

LEONA LEWIS – SPIRIT (SPECIAL EDITION)

Ganadora del concurso de talento británico "The X-Factor," Leona Lewis debuta con una mezcla de pop y R&B aderezada de una tesitura de voz que en sus momentos más agudos ("Better In Time") no deja de recordar a Mariah Carey, o que en sus notas graves ("The First Time I Ever Saw You"), pareciera ser Beyoncé Knowles. No es su culpa que su voz no tenga distinción, pero su productor, Simon Cowell (American Idol), juega a lo seguro y no propone nada que Tommy Mottola no haya logrado décadas atrás con Mariah y que decenas de seguidores han intentado hacer sin cambiar el mundo de la música. Destacable también su primer single "Bleading love"

Esta edición especial incluye algunos temas extras y un par de versiones remezcladas de sus canciones más conocidas.

RICK ASTLEY - HOLD ME IN YOUR ARMS

Mirando la portada del disco, puedes ver las similitudes de éste con el anterior, el cual fue un éxito en todo sentido (portada similar, con su nombre seguido por un titulo largo). Al escucharlo, fácilmente encuentras similitudes. El inicio se da con “She wants to dance with me”, canción con un ritmo bailable el cual llegó al Top 10, al igual que "Take me to your heart". En resumen, es una producción que se puede disfrutar tranquilamente, aunque al ser también una producción Stock, Aitken & Waterman, el sonido suele ser similar a otros de la misma productora. Pero a diferencia de otros proyectos, destaca el talento de Rick por sobre todas las cosas. Más aún, a pesar que hay un gran números de canciones con posibilidades, a pesar de las críticas, sigue siendo un disco que te hará cantar. Si te es nuevo Rick Astley, sería conveniente que escucharas primero el álbum anterior para que te hicieras una idea muy bien recomendada de lo que te espera.

DEAD KENNEDYS – FRESH FUITS FOR ROTTING VEGETABLES

Si vas a comprar un solo disco de DK, tiene que ser éste. Todo está crudo, sin cortar, con las voces gritonas de Jello Biafra, la sátira que se clava como una vara en el ojo, y las intrumentaciones creadas por la guitarra surfista de East Bay Ray con ritmo de matadero. Luego de su debut, Biafra caería en una trampa legal de Lenny Bruce por sus constantes acosos legales en vez de hacer arte. En Fresh Fruits, él tira bomba tras bomba, golpeando todos los blancos escogidos. "I kill children," "Holiday in Cambodia," "California uber alles," y "Let's lynch the landlord”. Un poco mucho?. Quizás, pero seguro permanece como un hito en la política de izquierda y la música violenta.

RAY CHARLES - MODERN SOUNDS IN COUNTRY AND WESTERN MUSIC

Es casi imposble hablar de todo el talento de Ray Charles. Podía cantar, tocar piano, arreglar música, escribirla y mucho más. Estas canciones no dejan de brillar cuando Ray las canta con toda su genuina emoción. Partiendo con "Bye bye love", el dinamismo presentado por Ray Charles hace que sea un éxito con un arreglo musical impecable. También se incluyen "You don't know me", quizás una de las canciones más memorables de su repertorio, la cual es cantada a la perfección y más allá. "Half as much" con un sonido increíblemente sofisticado; el enérgico "Just a little lovin'" con una fina percusión; "Born to lose" la cual también es una de las canciones que nunca faltan en su repertorio. y por supuesto "I can't stop loving you".
No era secreto que Ray Charles era un gigante entre gigantes, el cual nunca será olvidado.

PHIL COLLINS - NO JACKET REQUIERED

Para la época en que fue lanzado su tercer álbum como solista, Phil Collins se había convertido en una prescencia casi habitual-obligatoria en las radios, gracias principalmente a su trabajo con Genesis, su propia cartola de hits y su inborrable sello en la producción de otros artistas. No Jacket Required no hizo más que agrandar la ola de éxitos de todos los tiempos de Phil, lo cual está bien considerando todo lo demás. Es lejos su mejor esfuerzo como solista. Destacan "I don't wanna know", "Don't lose my number" y la reescrita canción "Sussudio" (originalmente para Prince) y las sentidas baladas como "One more night" y "Long long way to go", con el cameo vocal del también omnipresente en inigualable Sting.

BEBEL GILBERTO – TANTO TEMPO

Hija del afamado cantante de bossanova brasileño Joao Gilberto, Bebel toma las canciones clásicas de su padre y las funde en éste álbum, con un gran sentido de audacia. Bebel Gilberto es dificilmente menos encantadora por eso, aún así, enfatiza toda su pasión. Confiando más que nada en instrumentos acústicos por sobre las orquestaciones, Tanto Tempo no es nada más que un trabajo bien hecho que se disfruta bailando. terminando con una cálida nota en "Close your eyes". Igualmente es una invitación a un gran carnaval. La actual corriente musical brasileña aseguró a éste disco una amplia audiencia. Fue licenciado para USA a través de una pequeña compañia de San Francisco, pero que le aportó una gran fama y reconocimiento.

PHIL COLLINS - 12" ERS

En 1988, sólo tres años después de haber lanzado su tercer álbum como solista, "No Jacket Requiered", Phil Collins lanzó su "cuarto" álbum llamado 12"ers. Este disco sólo contiene 6 canciones en versiones remezcladas de su disco anterior (Un complemento del mismo?). Y aunque para los fanáticos encontar ésto fue alucinante, al escuchar el álbum te puedes dar cuenta que te atrapa, sin duda. Las versiones como "Sussudio" o "Take me home", Phil las canta en sus espectáculos alrededor del mundo y suenan mejor que nunca. A pesar de considerarse más bien un EP, vale la pena escucharlo una y otra vez.

SPIRIT - TWELVE DREAMS OF DR. SARDONICUS

Spirit fue creado con la intención de combinar jazz, rock, música clásica y folk con una orientación mística. Liderado por el guitarrista Randy California, con una gran inspiración en el trabajo de Jimi Hendrix, y su tio Ed Cassidy (el cual se afeitaba la cabeza - casi 20 años antes que fuera moda) era el foco visual de la banda. Spirit tuve algunos éxitos de tipo idiosincrático como "I got a line on you". Y aunque la banda alcanzó los primeros lugares con éste disco, un poco tiempo pasó para que se separaran. Tambíen se incluye en éste álbum su mayor éxito "Nature's way", una construcción de tipo conceptual y sci-fi, la surreal "Animal zoo" y la sicodelia orquestal de "Life has just begun". Twelve dreams of Dr. Sardonicus ejemplifica lo mejor del experimentalismo de fines de los 60's.